EL CINE EN CIEN PELÍCULAS (XII)

Informe final de la nave comercial Nostromo. Habla la tercera oficial. El resto de la tripulación, Kane, Lambert, Parker, Brett, Ash y el capitán Dallas han muerto. Carga y nave destruidas. Alcanzaré la frontera dentro de unas seis semanas. Con un poco de suerte, la red me encontrará. Habla Ripley, última superviviente del Nostromo. Corto y cierro.

ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO (Alien) USA, 1979 Terror, Ciencia Ficción. Dir Ridley Scott, con Sigourney Weaver, John Hurt, Ian Holm. 116 min.

Pocos directores en el cine moderno pueden presumir de contar en su historial con un debut tan espectacular y prometedor como el que despachó en su día el británico Ridley Scott allá por finales de la década de los setenta del siglo anterior. No una ni dos, sino tres obras maestras consecutivas suponen su impresionante carta de presentación en el oficio. Nacido en South Sields en 1935, Scott comienza a estudiar fotografía en la prestigiosa Royal College Art, y nada más cumplir los 30 dirige su primer cortometraje, Boy and Bicycle que protagonizan su padre y su hermano Tony, quien posteriormente también se dedicará a la dirección cinematográfica. Junto a Tony funda en 1968 una productora de televisión, y ya entonces ha empezado a trabajar en el mundo de la publicidad y a colaborar con otros directores que también saltarán a la fama después como Alan Parker o Hugh Hudson.

Es en 1977 cuando Ridley estrena en todo el mundo su primer largometraje, Los duelistas, adaptación de la obra de Joseph Conrad, que obtiene un gran reconocimiento entre los críticos y se hace con el premio a la mejor opera prima en el Festival de Cannes. Se trata un drama ambientado en el período de las Guerras Napoleónicas, un episodio que ha sido en general bien tratado por el Séptimo Arte a través de distintos géneros; la épica (Napoleón, Abel Gance, 1927), el cine de aventuras (Master and commander, Peter Weir, 2003), pero también el drama psicológico y judicial (La fragata infernal, Peter Ustinov, 1962) o incluso la comedia (La última noche de Boris Grushenko, Woody Allen, 1975). Scott se inclina por un tratamiento más complejo para seguir durante quince años las evoluciones de sus dos personajes principales, un oficial del ejército de Napoleón condenado por haber participado en un duelo, y el teniente encargado de su arresto. La película resulta deslumbrante en cuanto a su ambientación histórica, y está maravillosamente interpretada por Keith Carradine, miembro de uno de los clanes más reconocidos de Hollywood, y por Harvey Keitel que ya entonces se había destapado como el grandísimo actor que es gracias a los primeros trabajos de Martin Scorsese.

Tras este primer éxito, Ridley Scott cambia de género y se pasa a la ciencia ficción para entregarnos en los años siguientes dos nuevas obras maestras, Alien, el octavo pasajero y Blade Runner  (vaaaaale, os acepto pulpo como animal de compañía). De todos es ya conocida mi relación de amor-odio con esta última película, considerada como una obra de culto entre buena parte de la comunidad cinéfila. Si en Alien, Scott combinaba la ciencia ficción con el  terror para dar origen a un clásico del género, en Blade Runner la fusiona con el cine negro clásico, y el resultado es una distopía futurista que protagoniza una especie de moderno Sam Spade.  Y nada desde luego tengo que reprochar al acabado formal del film que desde luego ha creado escuela y es en sí una obra maestra, desde los decorados a la excelente banda sonora de Vangelis (a pesar de que es demasiado oscura y que la mayoría de los avances técnicos que profetizaba no se habrán cumplido en el inminente 2019 en el que se desarrolla la acción).  Otra cosa es que a mí la trama personalmente me resulta aburrida, y el contenido filosófico me carga un poquito. En fin, cuestión de gustos. Harrison Ford, especialista en dar vida a personajes icónicos en el cine moderno (Han Solo, Indiana y hasta Jack Ryan) se hizo con el papel en dura pugna con estrellas de la época como Al Pacino, Jack Nicholson o Dustin Hoffman.

Con tan sólo tres títulos pues vemos que Ridley Scott ha conseguido hacerse un hueco en la historia del cine. A mediados de los ochenta, el inglés se halla en la cresta de la ola, cuando, incomprensiblemente decide rendirse al cine más comercial y nos entrega películas como Legend (1985), La sombra del testigo (1987) o Black Rain (1989). Estas tres obras se caracterizan por presentar un esmerado cuidado estético, una constante ya en toda la obra del realizador, pero no dan ni mucho menos lo que se espera de su autor tras su fulgurante debut. En consecuencia, el prestigio de Scott comienza a resentirse. Parece que el británico vuelve a ser quien fue cuando en 1991 estrena Thelma y Louise, que le supone un gran éxito de crítica y público, y cuya base está en un soberbio guión de Callie Khouri, recompensado con justicia con el Oscar del año en la categoría, y unas estupendas interpretaciones de Geena Davis y Susan Sarandon. A continuación, se viene a España para rodar 1492, la conquista del paraíso, una superproducción subvencionada en parte con nuestros impuestos, y con la que nuestro Estado pretende sumarse por todo lo alto a los fastos del quinto centenario del descubrimiento de América. El resultado es un fracaso internacional de taquilla, pese a que la película no se deja de ver del todo mal, y que cuenta entre sus logros con una nueva y exquisita colaboración de Vangelis.

Dos películas completan la filmografía de Scott en la década de los noventa; la discreta Tormenta blanca (1996) y la impresentable La teniente O´Neill un año más tarde, tal vez la peor película del realizador. Sin embargo llegan los dosmiles y con ellos Gladiator, sin duda su mayor éxito a nivel popular, vistosa y algo sobrevalorada revitalización del viejo péplum que consigue cinco premios de la Academia de Hollywood. Entre ellos, no se encuentra el Oscar a mejor director que va a parar ese año a Steven Soderbergh por Traffic.  La protagonizaba Russell Crowe, actor australiano al que habíamos podido ver unos años antes en la magistral L.A Confindential (Curtis Hansom, 1997) y que se hizo contra todo pronóstico con el Oscar al Mejor Actor por su composición del hispano Máximo. Como se puede ver en un video de Youtube ni él mismo se lo cree cuando pronuncian su nombre como ganador, y no en vano es que entre sus rivales de la noche están Tom Hanks por Naúfrago o Javier Bardém por Antes de que anochezca.

Basdado en hechos reales, Black Hawk derribado (2001) cuenta una accidentada operación de rescate del ejército norteamericano durante su campaña en Somalia. La película resulta impecable desde el punto de vista técnico – recibe dos Oscars al montaje y al sonido que admiten pocos reproches- pero plantea alguna duda en lo que respecta a su propuesta argumental, demasiado agresiva y sesgada. Ese mismo año, Scott nos presenta en Hannibal la continuación de las andanzas del sanguinario Dr. Lecter, protagonista de la mítica El silencio de los corderos (Johnatan Demme, 1991). La película no llega evidentemente a la altura de su predecesora, pero se deja ver bastante bien, y propone una vuelta de tuerca muy curiosa al personaje que encarna Anthony Hopkins. Su siguiente film es Los impostores, una comedia negra protagonizada por Nicolas Cage y por Sam Rockwell que tiene su mejor arma en su falta de pretensiones, y que a mí, sinceramente, me parece lo mejor que ha hecho el bueno de Ridley en los últimos tiempos.

La carrera del director continúa en esta primera década del siglo con la irregularidad por bandera y con Russell Crowe como actor fetiche en títulos como Un buen año (2006), American Gangster (2007), Red de mentiras (2008) y Robin Hood (2010). España vuelve a ser el escenario de dos de sus últimas superproducciones, El reino de los cielos (2005) y Exodus, dioses y monstruos (2014). Tras el fiasco de El consejero (2013), Ridley decide centrarse en los últimos años en la ciencia ficción donde da una de cal y otra de arena; la de cal con Marte (2015), apreciable adaptación del best seller de Andy Weir que le vale una nominación al Oscar, la de arena con Prometheus  (2012) y Alien Covenant (2017), en las que intenta, sin ningún tipo de fortuna, retomar el mito de Alien.  La última película dirigida hasta la fecha por Scott es Todo el dinero del mundo que se estrenó este mismo año envuelta en la polémica tras el estallido del caso de Kevin Spacey, acusado de un presunto escándalo sexual que parece haber acabado con su carrera. La productora impuso al director sustituir a Spacey por otro actor, y volver a rodar de nuevo todas las escenas en las que aparecía su personaje. El elegido fue Christopher Plummer que además, quién sabe si con premeditación y alevosía, fue candidato al Oscar como secundario del año.

Pero volvamos a los comienzos de la carrera de Ridley Scott y a su Alien. En los setenta, la ciencia ficción es un género claramente en alza. 2001. Odisea del espacio ha sentado las bases a finales de la década anterior de lo que serían a partir de entonces esté tipo de películas, no tanto en cuanto a contenido como a recursos estéticos, técnicos y de la puesta en escena. En esos años, proliferan títulos que hoy en día son considerados casi de culto como La fuga de Logan (1976) del recientemente fallecido Michael Anderson o como la estupenda Naves misteriosas (Douglas Trumbull, 1972). En la tele se ven series como Espacio 1999 con Martin Landau que viene a recoger el testigo de la mítica Star Trek, precursora de la célebre franquicia cinematográfica que iniciará en 1979 Robert Wise.   Y mientras en la URSS, Andrei Tarkovski le da a la sci-fi su propio toque autoral en films como Solaris (1972) o Stalker (1979).  No obstante, los hitos que más contribuyen a que el género alcance la mayoría de edad en esta época son el estreno de Encuentros en la tercera fase (Steven Spielberg, 1977), y sobre todo el tremendo impacto mediático que causa George Lucas al dar comienzo a la saga Star Wars con el legendario Episodio IV: Una nueva esperanza.

Sólo tras el éxito de esta última película, la Fox se decide a poner en marcha el proyecto que  los guionistas Dan O´Bannon y Ronald Shusett le habían puesto encima de la mesa, y que en principio iba a ser el origen de una película de bajo presupuesto. La peli iba a llamarse en origen Star beast, pero a los productores aquello les debía sonar demasiado a título de serie Z e impusieron cambiarlo. O´Bannon y Shusett escribieron el guión tomando como base una película que el primero había realizado en 1974 con el título de Dark Star y que protagonizaba un extraterrestre que se colaba en una nave espacial y se zampaba uno a uno a todos los miembros de su tripulación.  Entre los nombres que la Fox barajó para que se hiciesen cargo de la dirección de la película se encontraban veteranos como Robert Aldrich o Jack Clayton, pero al final se decantaron por el seminovato Scott que acababa de asombrar al mundo entero con su opera prima Los duelistas.

Tras un rodaje que se extendió durante 14 semanas en los estudios Shepperton de Londres y varios pases privados, la cinta se estrenó en Estados Unidos el 25 de mayo de 1979, convirtiéndose en la sexta película más taquillera del año. La crítica se dividió entre quienes la recibieron con entusiasmo y quienes la consideraron una gran decepción. Entre estos últimos estaba el prestigioso Roger Ebert, que con el tiempo cambiaría de opinión.

En el fondo, el argumento de la película es muy simple. Durante su viaje de vuelta a la Tierra después de haber completado una misión espacial, el cargador Nostromo es desviado de su ruta al detectar su ordenador central unas misteriosas señales. Los miembros de la tripulación son despertados de su sueño criogenizado por la máquina, llamada Madre, y comienzan a investigar la procedencia de la llamada que finalmente resulta ser de advertencia y no de socorro. Nostromo aterriza en un planeta desconocido y fuera del sistema solar; allí descubren los restos fosilizados de lo que parece ser una nave alienígena abandonada. Dentro encuentran una serie de pequeños huevos, y de uno de ellos sale una extraña criatura que ataca a Kale, uno de los tripulantes adhiriéndose a su caso. Poco después, ya en su nave, Kale comienza a sentir convulsiones hasta que una larva emerge de su pecho de forma violenta para matarlo en el acto. El bicho huye y se esconde en el interior de la nave. Y empieza la pesadilla.

Argumento simple y tópico donde los haya, O ´Bannon y Shusett recibieron con deportividad las numerosas demandas por plagio que recibieron por su historia. “No hemos copiado a nadie y hemos copiado a todos” se limitaban a decir. Y era verdad. No hay duda de que en el film hay huella de clásicos del género de los años cincuenta, películas como El enigma de otro mundo (Christian Nyby, Howard Hawks, 1951) o Planeta prohibido (Fred M Wilson, 1956) pero también de maestros de la literatura gótica como Lovecarft. El principal mérito que tiene una película como esta es que al espectador no se le permite ver al monstruo en su totalidad durante buena parte del metraje, por lo que la sensación de terror se acentúa, un recurso que, por ejemplo, le había funcionado también muy bien solo unos años antes a Steven Spielberg en Tiburón (1975). A esa sensación de terror contribuye también la perfecta utilización de espacios, esos pasillos de la Nostromo donde en cualquier esquina te puedes encontrar una sorpresa.

H. R. Giger, Ron Cobb y Chris Foss fueron los encargados de crear al monstruo en sus diferentes fases, y Bolaji Badejo, un estudiante nigeriano residente en EEUU que medía más de dos metros, era quien se metía en la piel del bicho durante su edad “adulta”. Por cierto, por orden del propio Scott, ningún miembro del equipo técnico mostró al bicho a los actores antes de la filmación para que así su reacción al verle por primera vez fuese más espontánea y natural.  Ni siquiera se les advirtió que alguno de ellos podría acabar perdido de sangre como así ocrruó.

H.R. Giger, Carlo Rambaldi, Brian Johnson, Nick Allder y Denys Ayling se alzaron con el Oscar en la edición de aquel año por diseñar los efectos visuales de la película cuya dirección artística también recibió una nominación a la estatuilla. Entre los intérpretes que ya eran conocidos por el público, Scott contó con los británicos Ian Holm, John Hurt y Veronica Cartwright. Para dar vida a la suboficial Ripley, la protagonista del film se pensó en Meryl Streep que rechazó el papel. La oportunidad la aprovechó una entonces desconocida Sigourney Weaver que prácticamente debutaba en la gran pantalla tras haber participado en diversas series televisivas (aunque aparecía de manera fugaz en Annie Hall en una escena junto a Woody Allen). Lo suyo fue llegar y besar el santo, pero no fue en absoluto flor de un día. En la actualidad, a sus 68 años, Sigourney es una de las actrices más respetadas de Hollywood, su físico le ha dado la oportunidad de dar vida en la pantalla a mujeres de carácter fuerte, tanto en comedia (no olvidemos su personaje en otra legendaria saga, la de Los cazafantasmas) como en drama. Ha sido tres veces nominada al Oscar, pero de momento el premio se le resiste. La primera candidatura la obtuvo repitiendo el personaje de Ripley en la secuela Aliens, el regreso (James Cameron, 1987); las otras dos tuvieron lugar en la misma edición. Weaver optó al Oscar a Mejor Actriz Principal por su trabajo en Gorilas en la niebla de Michael Apted, y al de Mejor Secundaria por su presencia en Armas de mujer de Mike Nichols, ambos films de 1988.. La actriz volvería a trabajar a las órdenes de Ridley Scott en 1492, la conquista del paraíso encarnado a la reina Isabel la Católica. Ah, y también recibió hace un par de años el Premio Donostia, que si no lo digo se me enfadan por ahí

Alien no sólo supuso el comienzo de la carrera en el cine de su protagonista, sino que, como acabamos de ver, también fue el inicio de una saga que continuaría en la década de los ochenta con Aliens, el regreso, dirigida por el futuro responsable de Titanic (1997) o Avatar (2009),. Con algo menos de fortuna, David Fincher en 1992 y el francés Jean Pierre Jeunet en 1997 dirigieron la tercera y cuarta entrega de la serie respectivamente. La cinta también ha dado origen a dos precuelas que ha dirigido el propio Scott recientemente (Prometheus y Alien Covenant), así como a otros dos “crossovers” (Aliens vs Predator y Aliens vs Predator. Requiem), sobre los que conviene extender un tupido velo. Fuera de la franquicia, el influjo del film se percibe en títulos como Sunshine (Danny Boyle, 2007) o Life (Daniel Espinosa, 2017) que prácticamente reproducen el mismo esquema argumental del film de Scott.

Por cierto, el subtítulo añadido para la versión castellana del film contiene una incorreción. En propiedad, el bicho no es el “octavo pasajero” que viaja a bordo de la Nostromo, y sus supervivientes son dos y no uno. Ripley acaricia el lomo de su gatito (Jonesy era ¿no?) mientras envía su último mensaje a la Tierra.  Ya se especula con una quinta parte con ella a los mandos de la Nostromo. Y es que, por más que en el espacio nadie pueda oír sus gritos, esta chica no escarmienta. Seguiremos informando. Corto y cierro.