lunes, 19 de febrero de 2018

EL CINE EN 100 PELÍCULAS (III)

“Vendrá un día que aún está lejano en que volveré al pueblo. Y si no me fuera posible a mí, tal vez alguno de vosotros podrá volver a nuestra tierra. Quizá tú, Luca. Recuérdalo, Luca, esa tierra nuestra es la tierra de los olivos, del cielo azul y del arco iris.”


ROCCO Y SUS HERMANOS (Rocco e i suoi fratelli, Italia, 1960). Drama. Neorrealismo. Dir: Luchino Visconti con Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Katlina Patxinou, Claudia Cardinale (179 min).

1960 va a resultar ser un año excepcionalmente fecundo para el cine italiano. Federico Fellini se alza con la Palma de Oro en el Festival de Cannes con La dolce vita, y la película no tarda en erigirse en todo un fenómeno mundial, Antonionni, que ya ha comenzado a hacer de las suyas y a ganarse un nombre entre los círculos más intelectuales, consigue en el festival francés el premio del Jurado por La Aventura; además, Sophia Loren recibe el Oscar de Hollywood por su interpretación en Dos mujeres, en la que Vittorio de Sica adapta la conocida novela de Alberto Moravia. Se trata de la primera actriz extranjera en ganar el premio gracias a un papel en una producción no estadounidense (cinco años antes, su compatriota Ana Magnanni había conseguido la estatuilla por su trabajo en La rosa tatuada de Daniel Mann).

En 1960, Luchino Visconti rueda su sexto largometraje, Rocco y sus hermanos, producción franco- italiana que con el tiempo será considerada una de las cumbres de su filmografía, y supone una obra de transición entre los comienzos neorrealistas del director milanés y su siguiente etapa, mucho más volcada hacia un cine de perspectiva historicista. El Neorrealismo había surgido en Italia a mediados de la década de los años cuarenta para reflejar en parte las miserables condiciones en las que había quedado sumido el país tras la II Guerra Mundial. El término lo acuña por primera vez el crítico Umberto Babaro, y hay un consenso prácticamente unánime que consideran que la película que inagura el movimiento es Roma, ciudad abierta (1945) de Roberto Rosellini, aunque algunos piensan que la primera obra neorrealista es precisamente la opera prima de Visconti,  Obsesión (1943), adaptación de  la famosa novela de J.M. Cain, El cartero siempre llama dos veces, que posteriormente será llevada a la gran pantalla hasta en dos ocasiones más,  Otros films de la etapa neorrealista del director serán La tierra tiembla (1948) o Bellisima (1951).

A comienzos de los 60, el neorrealismo parece un fenómeno ya superado. Italia ha empezado a recuperarse económicamente de la dura postguerra, y los cineastas más jóvenes como los citados Fellini o Antonnioni están más interesados en explorar nuevas vías de expresión para sus películas.  El propio Visconti evoluciona igualmente desde los supuestos neorrealistas hasta un tipo de cine mucho más estilizado en donde muestra una obsesión absoluta por la estética y los aspectos formales. Las películas del cineasta se llenan cada vez más de elementos teatrales y operísticos (era también director de teatro y dirigió numerosas óperas a lo largo de su vida). La decadencia de las clases altas como la nobleza y la burguesía se convierte en el argumento principal de las obras de ese periodo; no olvidemos tampoco que el director se había criado en el seno de una familia de aristócratas, aunque en su juventud abrazó le marxismo y el comunismo. Hay un primer ensayo de este nuevo estilo en la primera etapa viscontiniana con Senso (1954), adaptación de una novela de Camilo Boito que narra el romance pasajero entre una aristócrata italiana y un oficial del ejército austriaco mientras sus dos países están en guerra, pero su eclosión se percibirá mejor posteriormente en films como El gatopardo (1963), La caída de los dioses (1969) o la famosa Muerte en Venecia (1971) con un impresionante y decadente Dick Bogarde buscando al ideal de belleza en las formas y en las facciones del joven Tazdio.

Dicho todo esto, aún es posible encontrar vestigios neorrealistas en la obra que nos ocupa, la crónica de una familia de inmigrantes que se traslada desde su pueblo, Lucania, hasta Milán para intentar prosperar.  Visconti describió como pocos los sueños de las clases humildes. Rocco y sus hermanos es ante todo una película de inmigrantes y nos habla del desarraigo que produce el tener que abandonar la tierra donde se ha nacido. Pocos años más tarde, al otro lado del charco, otro cineasta, Elia Kazan rodará América, América (1963), otra obra en la que esta vez con un tono autobiográfico se trata este mismo desarraigo.

El film de Visconti arranca con la llegada a Milán en tren de la familia protagonista, los Parondi. Rocco, Simone, Ciro, el joven Luca y la “mamma” Rosario ansían reencontrarse con el hermano mayor, Vincenzo, (Spiros Focas) que lleva ya unos años instalado en la ciudad e incluso ha encontrado una estabilidad sentimental al lado de Ginetta (Claudia Cardinale). Se introduce también así el tema de la familia y los lazos sagrados que la unen, un tópico recurrente en la cultura mediterránea en general, y en la italiana en particular. No olvidemos al respecto que la familia más famosa del cine, los Corleone, proviene de Italia.

Desde el principio, el espectador puede ver que no va a ser fácil para ningún miembro de la familia Parondi adaptarse a su nueva vida. Ciro encontrará un trabajo en la fábrica de Alfa Romeo, y Rocco una forma de subsistir en el gimnasio y en el boxeo. Hay una escena maravillosa casi al principio de la película cuando los hermanos salen de su casa por la mañana a buscar trabajo y se encuentran con las calles cubiertas de nieve. La sorpresa dará paso al alborozo, porque la nieve es un elemento que hace volver a los jóvenes a su infancia, al pueblo. Pero las ilusiones, los sueños se irán poco a poco hundiendo en el fango, y será el citado desarraigo el que finalmente desencadene el conflicto entre unos personajes que aparecen perfectamente diseñados.  Simone será la principal víctima de ese desarraigo que acabará convirtiéndole en una mala bestia capaz de cometer el más horrendo de los crímenes. En su bondad, y aunque roto de dolor, Rocco parece perdonarle, o al menos justificarle en ese momento en el que se presenta en el hogar con las manos manchadas de sangre interrumpiendo la celebración que está teniendo con su familia y sus vecinos. Visconti mezcla el drama costumbrista con la tragedia sentimental, poniendo en primer plano el particular triángulo amoroso que forman Rocco (Alain Delon), Simone (Renato Salvatori), y Nadia, la bella prostituta a quien da vida de manera magistral la actriz francesa Annie Girardot. En torno a este último personaje transcurren las escenas más desgarradoras del film, la de la violación y la del posterior asesinato.  

A destacar también la última escena del film, a modo de brillante epílogo. En ella, vemos a Ciro (Max Cartier) quien en un descanso de su trabajo en la fábrica de Alfa Romeo recibe la visita del pequeño Luca (Rocco Vidolazzi). Y le habla de sueños y de esperanzas. Rocco no está, ha desaparecido, no parece que haya cumplido su sueño de volver al pueblo y sí es más probable que no haya podido perdonar la delación de su hermano. Y a continuación vemos a Luca despedirse de Ciro, y atravesar la calle y perderse en el horizonte sobre la palabra “Fine”, cargado de esperanzas. Tal vez el sí pueda volver al pueblo, y hacer realidad lo que otros soñaron, y echar raíces allí donde otros no pudieron.

CHE SARA
Nicola di Bari

Paese mio che stai sulla collina
disteso come un vecchio addormentato
la noia, l’abbandono,
il niente, son la tua malattia
paese mio ti lascio e vado via.
Che sarà, che sarà, che sarà,
che sarà della mia vita, chi lo sa?
So far tutto o forse niente
da domani si vedrà
e sarà, sarà quel che sarà.
Amore mio ti bacio sulla bocca
che fu la fonte del mio primo amore
ti do l’appuntamento
come e quando non lo so
ma so soltanto che ritornerò.
Che sarà, che sarà, che sarà,
che sarà della mia vita, chi lo sa?
Con me porto la chitarra
e se la notte piangerò
una nenia di paese suonerò.
Gli amici miei son quasi tutti via
e gli altri partiranno dopo me
peccato, perché stavo bene in loro compagnia
ma tutto passa, tutto se ne va.
Che sarà, che sarà, che sarà,
che sarà della mia vita, chi lo sa?
So far tutto o forse niente
da domani si vedrà
e sarà, sarà quel che sarà.
Che sarà, che sarà, che sarà,
che sarà della mia vita, chi lo sa?
So far tutto o forse niente
da domani si vedrà
e sarà, sarà quel che sarà.
Che sarà, che sarà, che sarà,
che sarà della mia vita, chi lo sa?
So far tutto o forse niente
da domani si vedrà
e sarà, sarà quel che sarà.
Che sarà, sarà.
QUÉ SERÁ
Nicola Di Bari

Pueblo mío que estás en la colina
tendido como un viejo adormecido
el aburrimiento, el abandono,
la nada, son tu enfermedad,
pueblo mío te dejo y me voy.
Qué será, qué será, qué será
qué será de mi vida, ¿quién lo sabe?
Lo sé hacer todo o quizás nada
a partir de mañana se verá
y será, será lo que será.
Amor mío te beso en la boca
que fue la fuente de mi primer amor
te doy la cita
cómo y cuándo no lo sé
pero sólo sé que volveré.
Qué será, qué será, qué será,
qué será de mi vida, ¿quién lo sabe?
Me llevo la guitarra
y si de noche lloraré
una canción de pueblo tocaré.
Mis amigos se han ido casi todos
y los demás partirán después de mí
lástima, porque me lo pasaba bien con ellos
pero todo pasa, todo se va.
Qué será, qué será, qué será
qué será de mi vida, ¿quién lo sabe?
Lo sé hacer todo o quizás nada
a partir de mañana se verá
y será, será lo que será.
Qué será, qué será, qué será
qué será de mi vida, ¿quién lo sabe?
Lo sé hacer todo o quizás nada
a partir de mañana se verá
y será, será lo que será.
Qué será, qué será, qué será
qué será de mi vida, ¿quién lo sabe?
Lo sé hacer todo o quizás nada
a partir de mañana se verá
y será, será lo que será.
Lo que sea, será.


viernes, 16 de febrero de 2018

GOOD MORNING 16-2-2018

“Estoy bajo el agua y los latidos de mi corazón producen círculos en la superficie.” Milan Kundera

Gus moprnins cinéfilos nos de God

La verdad es que llevo una semanita un poco alterada, sin corsés que me sujeten los hombros (por fin) pero con una carga de trabajo que está superando las expectativas y sólo estamos en Febrero, señores. Pero no contaré más mis penas sino las de los demás. Bueno, es un decir, que no vengo a contaros las opciones de Luis de Windows de convertirse en vicepresidente del Banco Central Europeo, ni los lamentos de los seguidores de un equipo de futbol parisino, ni las cuitas de un tipo con pelo raro en Belgica.

Yo vengo a hablar de mi libro, o lo que es lo mismo, de lo que toca y loq ue toca es señalar cuales son los estrenos de esta semana para que no tengáis que mirar lacartelera con vuestros propios ojos. Para eso estoy yo, que os presto los mios con gafas de presbicia y así podáis disfrutar del postvicio.

Comenzamos como siempre con la cosa esta de la animación que es un no parar, semana si y semana también tenemos una de dibus para los mas pequeños y no todas son buenas. En este caso es una película china BONNIE BEARS Y EL GRAN SECRETO la que busca entretener a los más peques y darles además una lección sobre la amistad y las cosas buenas de la vida. Para ello utiliza a un oso llamado Briar que se aleja del bosque yde sus amigos por una pequerña decepción, en su deambular se encuentra con el circo que dirige Hugo el Gorila, sus amigos del bosque deciden ir en busca de Briar pero cuando lo encuentran, la fama y la nueva vida hace que prefiera lacarpa del circo, pero las cosas no siempre son tan bonitas y todos deben darse cuenta de lo importante que es la amistad. Pues así, tan convencional como suena, parace este film, quizá lo mejor es que los niños no sepan ni que se estrena.

Otra que tal, pero sin dibujos, es la historia que nos relata la pelicula rusa CELESTIAL CAMEL en la que se nos narra la historia de una pobre familia en la Mongolia rusa que para conseguri recursos con los que afrontar la llegada de un nuevo hijo deciden vender una cria de su camello. El problema es que mama camella se escapa en busca de su cria y para la familia el camello es su única forma de sobrevivir a la dureza del invierno. El hijo mayor, Bayir con sólo 12 años emprende un viaje en una vieja moto para dar con el paradero del camello y lograr que su familia sobreviva. Otra lección vital que nos podemos ahorrar sin problemas.

El documental de la semana (sinceramente esto de estrenar documentales sin ton ni son, no lo veo)  se llama EN TRANSITO y nos viene a contar una realidad social de la que se habla poco aunque tiene un cierto punto de interés. Este es el caso de la mujeres que emigran a otros paises dejando a sus hijos en el país de origen y cono se relacionan con ellos en la distancia. Es cierto que esas mujeres (fundamentalmente latinoamericanas) que migran a Europa en busca de una cierta estabilidad económica contribuyen a la economia de los familiares que dejaron allá, pero aparate de lo económico ¿Cómo es su relación con ellos?. ¿Cómo preocuparse de la educación de sus hijos, de sus problemas escolares, de sus pequeños momentos de enfermedad, de tristeza, de soledad…Es como “Marco” pero al revés.

CUANDO DEJES DE QUERERME es la apuesta española de la semana y cuenta como Laura, emigrada a Argentina cuando era niña junto as u madre tras ser supuestamente abandonadas por su padre, recibe la noticia de que se ha encontrado el cadaver de su padre enterrado y que todo apunta a que fue asesinado hace casi 30 años. Laura viaja a España acompañado por su padrastro y junto a un investigado rde seguros intenta aclarar el misterio y las circunstancias del crimen. No os voy a decir quien es el culpable porque no la he visto, pero…¿a que no nos sorprendería que hubiera sido…?

Y vamos a las pelis USA que esta emana son unas cuantas. Empezamos por DEBER CUMPLIDO, interpretada por Miles Teller (el chico de “Whiplass”) nos cuenta algo de lo que ya hemos tenido mil ejemplos, el estrés post traumático de un militar, en este caso un soldado americano en Irak, cuando vuelve a su casa y debe readaptarse a una vida “normal”, los terribles recuerdos, las angustias pasados, los miedos…Nada es fácil, pero eso lo sabíamos desde “los mejores años de nuestra vida” hasta “El francotirador”, pasando por “Banderas de nuestros padres” o incluso “Acorralado”.

Podemos seguir con la nueva de la factoría Marvel BLACK PANTHER o en lenguaje de calle Pantera negra, el nuevo superhéroe que ya vimos en “Capitán América, Civil War” y que en los comics era un personaje de lo más interesante nacido al amparo de la lucha de los derecho civiles. Fue el primer superhéroe negro de la historia de Marvel y se trata del príncipe de un imaginario país llamado Wakanda en cuyo territorio cayo un meteorito con un metal de poderes extraordinarios. Educado en las mejores escuelas del mundo y entrenado para ser el defensor de su mundo, sus capacidades felinas y su traje le convierten en un luchador formidable. Esa es su historia, veremos cómo nos lo cuentan.

Interesante y algo cínica es THE PARTY película interpretada por Kristin Scott Thomas con aires casi teatrales que cuenta la fiesta celebrada en torno a Janet para celebrar que acaba de ser nombrada ministra de sanidad del gobierno. En realidad es una excusa para demostrar las propias contradicciones de la democracia y las buenas intenciones tan alejadas de los problemas del pueblo. Los participantes de la fiesta todos grandes amigos de Janet, destaparán todos sus prejuicios, sus incongruencias y también, claro está, algunos secretos que hagas que la fiesta no sea tan feliz como prometía.

Y llegamos finalmente a LA APUESTA DE LA SEMANA que no puede ser otra que el más esperado de los estrenos pre-oscar. Efectivamente se trata de LA FORMA DEL AGUA que dirigida por Guillermo del Toro acumula candidaturas sin fin. La historia como sin duda a estas alturas ya sabréis trata de la relación que nace entre una empleada de la limpieza de un laboratorio de alta seguridad en época de la Guerra Fría y el resultado de un experimento científico. La actriz Sally Hawkins que interpreta a la limpiadora parece una clara favorita en las apuestas a mejor actriz si Frances McDormand no se lo impide. El caso es que el director mejicano, casi español por lo que ha rodado en nuestro país con títulos ya que son referentes de nuestro cine como “El espinazo del diablo” y sobre todo “El laberinto del fauno”, forma parte del grupo de directores gordos con gafas y barba que tienen un universo personal que llevan a las pantallas. Tanto él como Alex de la Iglesia o Peter Jackson son claramente identificables, otro que podría haberse sumado hubieses sido Santiago Segura, pero su universo se quedó en un barrio y se dedicó a repetir gracietas cada vez más soeces y menos originales, pero físicamente daba el tipo.

Del Toro, sin embargo, continuó en su inmersión en sus monstruosidades para analizar nuestras sociedades. En este caso su historia enlaza con aquella mítica “La mujer y el monstruo” cuyo título original era “La criatura de la laguna negra”. Del Toro le da la vuelta ¿y si el monstruo del pantano despertara más ternura que los humanos?. También tiene alguna acusación de plagio pero es evidente que es la propuesta más interesante que nos ha traido la semana y quién sabe si todo el 2017.

Una vez repasados todos los estrenos sólo nos queda esperar hasta que el lunes Dex nos ofrezca una nueva ración de historia del cine en forma de película imprescindible, que el maestro Bardés nos dé una nueva lección sobre cómo escribir de cine el martes, que la encantadora Albanta nos aporte su preciosa ración de vida el miércoles y que un fabuloso vasco nos cuente como si nada un nuevo y hermoso cuento el jueves…sólo así, cuando haya pasado todo eso, volveré a dar el tostón el viernes con una nueva relación de cosas que ver. Hasta entonces os dejo con la música, que ya dijo el maestro Serrat musicando al gran Miguel Hernandez que las mejores cosas pasan …

CERCA DEL AGUA  (Joan Manuel Serrat)

Cerca del agua te quiero llevar
porque tu arrullo trascienda del mar.

Cerca del agua
Cerca del agua
Cerca del agua te quiero llevar

Cerca del agua te quiero tener
porque te aliente su vívido ser.

Cerca del agua
Cerca del agua

Cerca del agua perdida del mar
que no se puede perder ni encontrar.

Cerca del agua te quiero sentir
porque la espuma te enseñe a reír.

Cerca del agua
Cerca del agua
Cerca del agua te quiero sentir

Cerca del agua te quiero, mujer,
ver, abarcar, fecundar, conocer.

Cerca del agua
Cerca del agua
Cerca del agua
Cerca del agua perdida del mar
que no se puede perder ni encontrar.

Cerca del agua
Cerca del agua
Cerca del agua


Y para que no se diga que hay trato discriminatorio podemos poner como MOSAICO DE HOY la situación a la inversa, un hombre que se relaciona con una criatura acuática







jueves, 15 de febrero de 2018

GUUUD MORNINS 15-02-2018


¿Por qué ellos están ahí fuera y nosotros tenemos que estar aquí dentro? (Planta 4ª)


Guuuud mornins cinéfilos. Jueves 15 de febrero, creo recordar que hace unos 3 o 4 meses hubo un día que no llovió, a éste paso nos van a salir escamas y nos vamos a convertir en seres de agua como el que nos presenta Guillermo del Toro en su última película. Para mí que el sol nos lo han secuestrado y no lo quieren decir.

  Al tajo. Hoy se celebra el Día Internacional del Niño con Cáncer, y aunque eso de que cada día sea la celebración de alguna causa me parece un invento patatero, hay excepciones que merecen que les dediquemos el gus, y ésta es una de ellas. Que muchas veces nos quejamos por nimiedades cuando no sabemos la suerte que tenemos de estar más o menos bien de salud. Por ello, mucha fuerza desde aquí a todos ésos pequeños valientes que se enfrentan a la enfermedad como verdaderos campeones.

  Siguiendo el hilo del cáncer infantil, en el cine se ha tratado en diferentes películas como Cartas a Dios, Camino etc. hay una que desprende alegría, esperanza y ganas de vivir: Planta 4ª de Antonio Mercero. Y al gran Mercero vamos a dedicar también unas líneas, que bien se lo merece.

  Nacido en la localidad guipuzcoana de Lasarte, y a punto de cumplir los 82 años, es uno de los directores referentes del cine y la televisión de las últimas décadas. Debutó en la pantalla grande en 1960 con "La oveja negra". Después vinieron otros títulos como "La guerra de papá", "Tobi" (aquel niño al que le salían alas de ángel, Mercero especialista en tocar la fibra sensible), "Buenas noches, señor monstruo", "Espérame en el cielo" (la del doble de Franco, con Pepe Soriano y Chus Lampreave), la citada "Planta 4ª" y su último film, "¿Y tú quien eres?", con el gran Manuel Alexandre, donde trataba el tema del Alzheimer, que como ironía trágica del destino retiró a Mercero poco después de la vida pública.

  Pero si en el cine su carrera ha sido más o menos exitosa, donde realmente triunfó Mercero fue en la televisión, con series tan míticas como "Verano azul" (¿qué tiene ésta serie, que hasta a los chavales de ahora les encanta?), "Farmacia de guardia" (grande sobre todo en sus primeras temporadas), "Crónicas de un pueblo" o "Manolito gafotas".

  Ha recibido numerosos galardones, entre ellos el Goya de Honor en 2010 y la Concha de Oro del festival de Donostia por el corto "Lección de Arte".

  Grande Antonio Mercero.

  CANCIÓN DEL DÍA

NASIO PA LA ALEGRIA (Estopa)



 Ha nacido pa' la alegría,
Nunca desprecia unas papas
A veces sufre agonías
El alma vende barata
Se le levanta to los días, con ganas de ir a la plaza
Se le quitan las manías con el fuego de un cubata
Que digan que ya es de día, que muera la madrugada
Que sople la última brisa, última hora envenenada
Se acuesta los mediodías
Con una carita guapa
Pensando mil tonterí­as
Buscando la cama a gatas
Una mirada perdí­a
Las pupilas dilatadas
Aquí no hay dios que se ria
Maldita la luz temprana
por que uno cuando se lía
Le engaña la madrugada
y las nueve sinfoní­as
Se escuchan desde la almohada
y la verdad no le va nada mal al chaval
Porque sabe que el tiempo se escapa
y sube las ventanas y empieza a soplar
El airecillo de la luz del alba
Una noche de jaurí­a cuando salió de su casa
Era una noche muy frí­a y se helaban hasta las ratas
y me lo encontré dormido mu cubiertito de escarcha
Vente que haré mucho frí­o, venga tira pa' la casa
No tení­as que haber salí­o, que ya llevas mucha marcha
Te encuentro mu revenio, a mi se me encoge el alma
y la verdad no le va nada mal al chaval
Porque sabe que el tiempo se escapa
y sube las ventanas y empieza a soplar
El airecillo de la luz del alba
y la verdad no le va nada mal al chaval
Porque sabe que el tiempo se escapa
y sube las ventanas que empieza a soplar
El airecillo de la luz del alba
MOSAICO DEL DÍA

miércoles, 14 de febrero de 2018

EL GUS DE ALBANTA 14-2-2018

Yo no te quería robar instantes, yo te quería morder el corazón, hacerte vivir en mí devorando tu alma (Drácula, Bram Stoker 1897)


GUSMORNI, cinéfilos.

Hoy, día 14 de febrero, poco había que tirar de efemérides ya que celebramos el día del sentimiento más universal, la emoción que mueve al mundo, que nos hace vivir, a veces morir de dolor y es la esperanza que nos fortalece cuando nos falta, el AMOR.

Hoy sería el día de Low, nuestra insigne Doctora, a la que apelo para que nos deleite con sus palabras cualquier día de estos.

Cuántos tipos de amores puede haber, imagino que tantos como amantes, los que traspasan los límites del tiempo como el que nos refería Bram Stoker y ha servido de introducción para este Gus, amores sencillos como el que transcribía Noah en su cuaderno, amores cobardes, fugaces que no se atreven a cruzar los puentes que les lleva a la felicidad más allá de Madison County, amores en tierras lejanas surcando desiertos y selvas que se guardan en la memoria de pacientes ingleses o de danesas arrojadas, amores de padres e hijos que consiguen encontrar el hilo vital que les une en una cárcel irlandesa, de madres e hijas a pesar de la distancia, el abandono, el desencuentro.

Todos tenemos algún tipo de estos amores, aunque no sea el amor romántico, sí que gozamos de otros amores tan totales y revitalizantes o más, como es el amor de nuestros padres, hijos, amigos. Sí ya sé que tal día como hoy es patético apelar a este tipo de sentimiento pero qué queréis menos da una piedra al menos mantengo la esperanza de que lo mejor está por llegar, mientras tanto deseo que los que sí tenéis pareja que paséis un día espectacular, que lleguéis a casa cojáis sus manos y le digáis cuánto les queréis, hacedlo por mí…



Rafael Pérez Botija escribió una canción definiendo este sentimiento para que la interpretase, magistralmente a mi juicio, nuestra internacional Massiel, se ve que ese día no había bebido

EL AMOR

El amor es un rayo de luz indirecta,
una gota de paz, una fe que despierta,
un zumbido en el aire, un punto en la niebla,
un perfil, una sombra, una pausa, una espera ...

El amor es un suave, rumor que se acerca,
un timbre a lo lejos, una brisa ligera,
una voz en la calma, un aroma de menta,
un después, un quizá, una vez, una meta ...
El amor va brotando, entre el aire y el suelo,
y se palpa y se siente y hay quien puede verlo,
y hace que te despiertes y pienses en él,
y te llama despacio, rozando tu piel.

El amor te hipnotiza, te hace soñar,
y sueñas y cedes y te dejas llevar,
y te mueve por dentro y te hace ser mas,
y te empuja y te puede y te lleva detrás ...
Y de pronto te alza, te lanza, te quema,
hace luz en tu alma, hace fuego en tus venas,
y te hace gritar al sentir que te quemas,
te disuelve, te evapora, te destruye, te crea ...

Y te hace viajar, en el filo del tiempo,
remontando los ríos de mil universos,
y te lleva a la gloria y te entrega a la tierra
y te mira ... y te ve ... y piensa ... y piensa ...
Y de pronto el amor, es la luz de una llama,
que se empieza a apagar ... y se va ... y se apaga,
es la isla pequeña perdida en la niebla,
una gota, un no sé, una mancha, una mueca.

El amor es la hoja caída en la tierra,
un punto en el mar, una bruma que espesa,
un peso en el alma, un sol que se vela,
un porqué, un según, un ya sé, una queja
El amor va bajando, peldaño a peldaño,
con las manos cerradas y el paso cansado,
te pregunta quien eres, para hacerte saber,
que apenas te conoce, que que quieres de él ...

El amor te hace burla, se ríe de ti,
mientras tu sigues quieto, sin saber que decir,
y deseas seguirle y decirle que no,
que se quede, que vuelva, que comete un error.

Y el amor desbarata tus grandes ideas,
te destroza, te rompe, te parte, te quiebra,
y te hace ser ese que tu no quisieras,
y te empuja a ser malo y te deja hecho mierda ...
Y te arroja de bruces, al último infierno,
arrancándote el alma, pisándote el cuerpo,
y te ahogas de ansia, de volver a la nada,
y de pronto ... se para ... y te ve ... y se apiada ...


Y como MOSAICO DE HOY los amantes más allá de toda la eternidad


martes, 13 de febrero de 2018

GUS MORNINS 13/2/18

“Os diré algo. Todavía no sé qué es lo que se siente al ver tu nombre por delante del título de cualquier película. Creo que, en el fondo, es porque ser una estrella nunca me ha importado ni lo más mínimo. Nunca. El trabajo siempre ha estado en primer lugar”
                                                                                                             Martin Balsam
Si hace algunos meses homenajeábamos al actor secundario de escuela británica en la figura de Ian Holm, ahora es el turno de hacerlo dentro de la más estricta escuela americana con este maravilloso actor del cual se cumplen veintidós años de su fallecimiento. Martin Balsam era uno de esos actores seguros, sólidos, que podían hacer cualquier tipo de papel sin parecer ridículo, que daba una enorme textura a todas las películas en las que intervenía y en las que, aunque pueda parecer increíble, nunca pasaba desapercibido.
En realidad, Martin Balsam es hijo de emigrantes judíos rusos aunque su integración en la vida americana fue total. Fue el mayor de tres hijos y su amor por la actuación se manifestó ya en el grupo de teatro del instituto donde cursó la secundaria. Dicen que aún se recuerdan sus actuaciones de aficionados porque se preparaba el papel a conciencia. Aunque en sus planes estaba incorporarse al Actor´s Studio de Nueva York, debió aplazar la prueba y posterior ingreso al producirse el bombardeo japonés de Pearl Harbor. Balsam se alistó en la Marina sirviendo durante cuatro años en un destructor que patrullaba por el Pacífico. Después de la guerra, se aseguró un puesto como acomodador en el Radio City Music Hall para pagarse los estudios en la escuela de Elia Kazan y Lee Strasberg, donde destacó por lo concienzudo de su trabajo siendo de los alumnos más aventajados de la época. Finalizados los estudios, desempeñó pequeños papeles en diversas obras de Broadway, hasta que intervino en el drama de Tennessee Williams La rosa tatuada, desempeñando el papel del camionero sin demasiadas luces que enamora a Anna Magnani. Cuando la obra se adaptó al cine, su papel fue interpretado por Burt Lancaster.
A partir de su éxito teatral, comenzó a intervenir en diversas obras, algunas como protagonista, pero Hollywood también le llamó con fuerza y así, casi de tapadillo, intervino como uno de los agentes judiciales que convencen a ese boxeador sonado llamado Terry Malloy para que testifique contra la mafia portuaria de La ley del silencio, de Elia Kazan. Fue reclamado también por la televisión donde se familiarizó con la emisión en directo de espacios dramáticos y allí conoce a Sidney Lumet que le requiere como el Jurado número 1 de Doce hombres sin piedad. Después de trabajar en un episodio de la serie Alfred Hitchcock presenta, el maestro del suspense no puede resistir la tentación de ofrecerle el papel del detective Dick Arbogast de Psicosis, papel por el que fue tremendamente recordado por sus fans. De hecho, a él le molestaba un poco que ése fuera uno de sus papeles más afamados porque creía que había hecho otros mejores (quizá tuviera razón) pero tuvo fama de ser un hombre afable, siempre sonriente, que nunca dejó de firmar cuantos autógrafos le pidieron.
Era un enamorado ferviente de Italia, y en cuanto se cansaba del trajín hollywoodense pedía a su agente que le consiguiera algún papel en la cinematografía italiana para, según él, “pasar unas vacaciones mientras trabajo”, cosa que hacía con cierta frecuencia. También formó parte del reparto de Desayuno con diamantes y encarnó al jefe de policía que trata de intimidar educadamente a Robert Mitchum en El cabo del terror, de Jack Lee Thompson. Destacó como el consejero presidencial de Fredric March en la estupenda Siete días de mayo, de John Frankenheimer; o como el iluso médico que pretende cambiar las costumbres sanitarias a bordo del barco férreamente gobernado por Richard Widmark en Estado de alarma (Incidente en el Bedford), de James B. Harris; consiguió su Oscar al mejor actor secundario por la ya olvidada El payaso de la ciudad, de Fred Coe, interpretando al hermano del protagonista, Jason Robards, y defendiéndole en su derecho a querer estar solo; fue el representante del recientemente recordado Victor Mature en la divertida Tras la pista del Zorro, de Vittorio de Sica; fue uno de los que huyen al lado de Paul Newman en la excelente Hombre, de Martin Ritt; interpretó al corrupto alcalde de un pequeño pueblo del Oeste, contrario a las actitudes de su sheriff Robert Mitchum en Un hombre impone la ley; hizo de prohombre de falsa caridad en el clásico Pequeño gran hombre al lado de Dustin Hoffman; interpretó a uno de los  atracadores de apartamentos de lujo en la notable Supergolpe en Manhattan a las órdenes de Sean Connery; fue el fatalmente resfriado señor Green, conductor de metro, en la trepidante Pelham 1,2,3, uno de los papeles de los que estaba más orgulloso; dio vida a Bianchi, representante de la compañía de trenes del Orient Express en Asesinato en el Orient Express; también fue uno de los redactores-jefe del Washington Post en la investigación de Todos los hombres del Presidente, formando equipo con Jason Robards y con ese otro monstruo de la interpretación secundaria que era Jack Warden; en su última época, Martin Scorsese le otorgó un cameo como juez en su versión de El cabo del miedo, mientras su papel se lo daba a Robert Mitchum y Robert de Niro y Nick Nolte protagonizaban la historia y estuvo en activo hasta el final de sus días, que ocurrieron en Italia, mientras estaba de vacaciones en una residencia de verano en donde le sorprendió un ataque fulminante al corazón con la edad de 76 años.
Era un veterano practicante de Kung-Fu (decía que le relajaba), le encantaba, de vez en cuando, volver al Actor´s Studio para impartir alguna clase; se le conocía, a través de un artículo publicado en el New York Times, como El Barrymore del Bronx; tenía muchísimos amigos en la profesión debido a su carácter agradable y su extrema profesionalidad. Y, sobre todo, porque no se le conoce ninguna mala contestación a ningún director o a nadie con quien trabajó. Sidney Lumet decía que era uno de los mejores actores que había conocido y que, si hubiera podido, siempre le habría tenido en sus repartos. Creo que nadie puede decir nada mejor para un actor.
Aquí le tenemos recogiendo su Oscar con sencillez, muy contento y con una sonrisa de júbilo de manos de Lila Kedrova, que el año anterior había ganado su Oscar a la mejor actriz secundaria por Zorba, el griego y que esa temporada había intervenido en Cortina rasgada, de Alfred Hitchcock interpretando a una patética dama que pide refugio en los Estados Unidos a la pareja de espías encarnada por Paul Newman y Julie Andrews.



Y como mosaico aquí le tenéis, en medio de un reparto irrepetible.
Arriba, de izquierda a derecha: Colin Blakely, Michael York, John Gielgud, Albert Finney, George Colouris, Sean Connery, Martin Balsam, Jean Pierre Cassel, Anthony Perkins y Dennis Quilley.
En medio, de izquierda a derecha: Vanessa Redgrave, Rachel Roberts, Lauren Bacall, Jacqueline Bisset, Ingrid Bergman y Wendy Hiller.
Sentado: Sidney Lumet.

Aprende, Kenneth.


lunes, 12 de febrero de 2018

EL CINE EN CIEN PELÍCULAS (II)

«Mittler zwischen Hirn und Hand muss das Herz sein» («El mediador entre el cerebro y las manos ha de ser el corazón»)




METRÓPLIS (Metropolis, Alemania, 1962). Ciencia ficción. Drama. Dir Fritz Lang, con Gustav FröhlichBrigitte HelmAlfred Abel (152 min)

Tras rodar en 1902 la icónica Viaje a la luna, el francés George Méliès pasa a ser considerado el padre de la ciencia- ficción cinematográfica. A comienzos de los años 20, Meliès, pionero del cine mudo  e  innovador adelantado a su tiempo, debe retirarse del oficio agobiado por las deudas, aunque a final de su vida (murió en 1938), los surrealistas y la cinemateca francesa lo rescatan del olvido y reivindican su obra. También, como buen cinéfilo, Martin Scorsese le reivindicó y le rindió un bonito homenaje hace unos años en la entrañable La invención de Hugo (2011).

Un cuarto de siglo más tarde del Viaje a la luna, el alemán Fritz Lang estrena Metrópolis que supone un nuevo paso adelante en la evolución del género. La película se rueda íntegramente en los famosos estudios alemanes de la UFA, fundados en 1917 durante la república de Weimar y que vivirían sus años de apogeo en la década siguiente. Durante nuestra guerra civil, la especial sintonía entre Hitler y Franco propició que se rodasen en estos estudios algunas películas españolas de contenido folclórico que protagonizaron estrellas del momento como Imperio Argentina o Estrellita Castro. (los grandes estudios en España se hallaban entonces en zona republicana). Fernando Trueba homenajeó a estos cómicos que se fueron hacer “las Alemanias” durante la época en su película La niña de tus ojos (1998)

Fritz Lang nació en Viena el 5 de diciembre de 1890, aunque tras la finalización de la I Guerra Mundial se instala en Alemania ya con la nacionalidad germana. Su carrera comienza en pleno auge del movimiento expresionista  que se caracteriza por imponer en pantalla un estilo subjetivista que ofrecía en imágenes una deformación expresiva de la realidad, traducida en términos dramáticos mediante la distorsión de decorados, maquillajes, etc, y la consiguiente recreación de atmósferas terroríficas  e inquietantes. Entre las obras capitales de dicho movimiento se encuentran El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene,  Nosferatu (1922) o El último (1924), ambas de Murnau. Lang hará su propia contribución a la escuela con títulos como Las tres luces (1921), la trilogía de Los Nibelungos (1924), La mujer en la luna (1928) o M, el vampiro de Düsseldof (1931). Tras finalizar en 1932 su película El testamento del doctor Mabuse, Göebels propone a  Lang hacerse cargo de la dirección de los estudios UFA, pero éste, contrario al ideario nazi, rechaza la propuesta. Esa misma noche huye a París, y de ahí a Hollywood, donde iniciará otra exitosa carrera. En la Meca del Cine, el director alemán destaca por su contribución al género negro con títulos como  Perversidad (1945) o Los sobornados  (1953) entre muchos otros, si bien también cultiva el western (Encubridora, 1952) o el cine de aventuras (Los contrabandistas de Moonfleet, 1955).

Durante su juventud vienesa, Frtiz Lang había empezado a estudiar Arquitectura, alentado por su padre que era jefe de obras públicas en la capital austriaca. Por supuesto, sus conocimientos serán clave en la concepción de una obra como Metrópolis, cuyo guión fue escrito por Thea von Harbou, pareja por entonces del cineasta. El balbuceante cine de la época mira con especial devoción al resto de las artes, y la arquitectura no es una excepción.  Por entonces, triunfan las teorías constructivistas, lo que queda reflejado en films como Berlín, sinfonía de una ciudad de Walter Ruttman y El hombre con la cámara del soviético Dziga Vertov, ambas de 1927, ambas piezas maestras del documental y del montaje. A Lang también le inspiró la visita que realizó a Nueva York, prototipo de ciudad futurista con todos sus impresionantes edificios y rascacielos.

Lo importante también es que Lang se adelanta unos años a la eclosión del fenómeno de la literatura distópica – Un mundo feliz de Aldoux Husley, obra fundacional del género no se publicará hasta 1932-, lo que otorga al alemán rango de visionario. Por supuesto, su obra tendrá una posterior influencia capital en el resto de las artes. Recordemos por ejemplo que Metrópolis  será el nombre con el que se bautice la ciudad en la que vive Superman, personaje del cómic que nacerá en 1933 (y al que Richard Donner y Christopher Reeve convertirán en mito cinematográfico a partir de 1978). Los decorados y el diseño de la Metrópolis de Lang tienen una influencia decisiva en la historia del cine, en especial del cine fantástico. A su imagen y semejanza se crearon las ciudades donde transcurren films como Blade Runner (Ridely Scott, 1982),Brazil (Terry Guilliam, 1985) o Dick Tracy (Warren Beatty, 1990), y claro, inspiró evidentemente Gotham City, la urbe donde transcurren las aventuras  de Batman, héroe del cómic llevado a las pantallas de cine por Tim Burton y Christopher Nolan entre otros (de Schumacker mejor ni hablamos).

“Estaba cansado de las grandes películas. De hecho, no quería hacer ninguna película más y había decidido trabajar en el campo de la química. Me agobiaban los estudios y quería ser independiente. Sólo ante un encargo muy insistente accedí, le dije al productor: de acuerdo, haré la película pero tú no vas a abrir la boca, no tendrás derechos sobre la edición y te limitarás a poner el dinero. Entonces hice Metrópolis". Es lo que diría Fritz Lang años después explicando los motivos que le llevaron a rodar su obra. Lo cierto es que en el momento de su estreno, la película cosechó en taquilla un fracaso estrepitoso. La película sufrió, ha sufrido todo tipo de cortes y mutilaciones a lo largo de estos noventa años; los directivos de Paramount, encargados de distribuir la película en Estados Unidos tuvieron mucha culpa de ello.  Buena parte del material, aproximadamente una cuarta parte del film, se tuvo por perdido durante mucho tiempo, hasta que en 2008 se encontró en Buenos Aires una copia que sirvió de base para la restauración del film que conocemos hoy. Esta versión se estrenó mundialmente en la edición de la Berlinale de 2010.



La acción de Metrópolis transcurre en un futuro lejano y apocalíptico. La ciudad que da nombre a la película se divide en dos; en el subsuelo viven los trabajadores en unas condiciones miserables y en régimen de esclavitud. Arriba, en el exterior habitan los ricos que ostentan el poder, rodeados de todo tipo de lujo y comodidades, y con todos los servicios a su disposición. Un día, Freder, el hijo del tirano y todopoderoso jefe de Metrópolis, Joh Federsen, conoce por casualidad a María, una joven humilde que ejerce una fuerte influencia sobre los obreros, se enamora de ella y toma conciencia de clase. Ante la oposición y la ira de su padre, Freder se instala en el subuselo y se convierte en un obrero más. Pero Joh no está dispuesto a perder el control sobre su hijo y pide que lo vigilen estrechamente. Finalmente, no dudará en destruirle, a él y a los de su clase, valiéndose de una mujer robot a la que pretende añadir las facciones de María para engañarle.  

Metrópolis es una obra capital del cine, porque en ella se abordan todo tipo de temas; la justicia, el amor, la religión- los obreros celebran sus reuniones clandestinas en catacumbas como los antiguos cristianos, y en el film se introducen algunos pasajes de carácter bíblico y de alto contenido simbólico como el de la Torre de Babel. Y naturalmente salta a la vista la enorme vigencia del mensaje que transmite la obra noventa años después de su estreno. Es una de las tres películas a las que la UNESCO ha otorgado la distinción de Monumento del Mundo junto a El mago de Oz (1939) de Victor Fleming y Los olvidados (1950) de Luis Buñuel.

Y para que veáis que la influencia de esta película es notable y se ha dejado sentir en todas las disciplinas, para muestra un botón... y un videoclip.

RADIO GAGA
Queen

I'd sit alone 
and watch your light
my only friend 
through teenage nights 
and everything I had to know 
I heard it on my radio.

You gave them all those
old time stars,
through wars of worlds
invaded by Mars
You made them laugh,
you made them cry, 
you made us feel
like we could fly.

So don't become 
some background noise,
a backdrop for the girls and boys
who just don't know 
or just don't care
and just complain when you're not there

(CHORUS)
You had your time, 
you had the power
you've yet to have 
your finest hour
radio.

All we hear is 
Radio ga ga
Radio goo goo
Radio ga ga
all we hear is 
Radio ga ga
Radio ga ga
Radio what's new?
Radio, someone still loves you!

We watch the shows-
we watch the stars
on videos 
for hours and hours 
We hardly need 
to use our ears
How music changes through the years!

Let's hope you never leave old friend 
like all good things 
on you we depend
So stick around 
cause we might miss you 
When we grow tired 
of all this visual 

RADIO BLA, BLA, BLA
Queen

Me sentaba solo
y miraba tu luz, 
mi única amiga
durante mis noches de adolescencia 
y todo lo que tenía que saber 
lo escuchaba en mi radio. 

Les diste todas esas viejas estrellas
de todos los tiempos,
las guerras de los mundos
invadidos por Marte 
Les hiciste reír,
les hiciste llorar ,
nos hiciste sentir 
que podíamos volar.

Así que no te conviertas 
en un simple ruido de fondo, 
en una mala salida para las chicas y chicos 
que no saben
o simplemente no quieren.
y sólo se quejan cuando no estás allí.

(ESTRIBILLO)
Tú tuviste tu tiempo, 
tú tuviste el poder 
pero todavía está por llegar
tu mejor momento 
radio. 

Todo lo que escuchamos es 
Radio bla bla 
Radio blo blo 
Radio bla bla 
Todo lo que escuchamos es 
Radio bla bla 
Radio bla bla 
Radio ¿qué hay de nuevo?
Radio, ¡aún hay alguien que te ama!

Vemos los espectáculos,
vemos las estrellas
en los videos 
durante horas.
Apenas necesitamos
utilizar nuestros oídos 
¡Cómo cambia la música a través de los años!

Esperemos que nunca nos dejes vieja amiga 
como todas las buenas cosas,
de ti dependemos 
Así que quédate por aquí,
porque quizás te echemos de menos 
cuando crezcamos cansados
de todo este mundo visual 

(ESTRIBILLO)


viernes, 9 de febrero de 2018

GOOD MORNING 9-2-2018

“Nunca trabajes con animales, con niños o con Charles Laughton” Alfred Hitchcock

Gus mornins cinéfilos nos de God.

Aquí vuelvo un viernes más asentado en mi nuevo destino. Qué maravilla de semana, comenzando con el estreno de ese “Cine en 100 películas” que tanto promete, luego vino Francois el Grande, Primero de Francia y Quinto levanta tira de la manta, que bonito, que bonito. Al tercer día resucitó la gala de los Goya y pudimos ver y hablar de vestiducos y trapitos como antaño. Y ayer mismo nos llegó un tipo grande, de tamaño y obra, un actorazo con tanta presencia como buen hacer….Imposible mantener el nivel, ya lo confieso y lo anticipo, pero aun así, que sepáis que del repaso a los estrenos semanales no os vais a librar, qué más quisierais.

  En un país multicolor, léase Alemania en este caso, sólo pudo nacer una abeja bajo el sol, que fue famosa en el lugar por su alegría y su bondad. Y como a la pequeña abeja la llamaron Merkel,...o Maya o algo. Pues así han titulado esta película LA ABEJA MAYA, LOS JUEGOS DE LA MIEL. Porque la famosa abejita será buena y alegre pero es traviesa y a veces mete la pata y por una de esas inconveniencias debe participar en Los juegos de la miel, que son como los olímpicos pero más pringosos, para salvar al resto de su colmena. Voy a ser sincero, a mí la abeja está me cargaba un tanto, me hacía gracia su amigo Willy (que era un pupas y siempre terminaba perjudicado por las aventuras de su amiga) y sobre todo Flick que era un bohemio trotamundos, pero Maya se hubiese merecido más de una vez algún azote (cuando no era políticamente incorrecto)…pero si hasta se escapaba de clase y hacia peyas….

El documental de la semana nos viene desde Francia y se titula GANAR AL VIENTO. Trata de la vida cotidiana de 5 niños diagnosticados con enfermedades muy graves, lo que les provoca que tengan que vivir y madurar mucho más rápido que cualquier otro niño pues son conscientes de que las etapas a quemar son mucho más cortas que las de cualquier niño de su edad.  Su “Carpe Diem” no es esta vez una frase hueca, es la única forma de afrontar su vida diaria.

50 SOMBRAS LIBERADAS, han pasado ya varios años desde que oímos hablar de aquellas “50 sombras de Grey” que tanto gustó en su momento. Sorprende que la fascinación  por el lujo y ser dominada tuviera tanto enganche entre tanta señora que seguro que se apunta ahora al hastag “metoo” sin dudarlo. Recuerdo que cuando empezó a circular el boca-oreja de entonces, hasta convertir aquella novela en un best seller incontestable, discutí sin leerla el daño que sobre el arquetipo de mujer empoderada (que ahora se reivindica) podía lograr tanta pasión por aquella pasión. Me contestaban con razón que no había leído el libro y que Anastasia era tan libre como poderosa en la relación…puede ser (aun no lo leí ni vi las películas anteriores) pero dudo que funcionase como fantasía lúbrica el ejercicio contrario, un varón sometido al dinero y los azotes de una señora, por mucho que el hombre no aceptara aquello como humillación sino como insano disfrute.  El caso es que este viernes se estrena las tercera y última de las películas basadas en la exitosa trilogía y Dakota Johnson y Jamie Dornan volverán a llenar las salas de incondicionales que siempre se quejan de que no eran la pareja ideal para interpretar a los personajes de la saga

Y nos llega también la última del maestro Clint: 15:17 TREN A PARIS. La película refiere la vida de los tres jóvenes americanos que en un momento determinado se convirtieron en héroes al arriesgar sus vidas por detener a un terrorista armado que irrumpió en un tren francés (parece que dispuesto a matar, aunque él argumente que no es cierto). Uno piensa que poco puede haber para un largometraje basándose en un hecho tan casual y con tan corto (en tiempo) recorrido. Algo que paso en apenas segundos y que nos cuentan en casi dos horas, puede parecer un exceso, y probablemente lo sea, lo que pasa es que detrás de la cámara esta Clint Eastwood y eso ya es mucho decir. En su anterior película (para mí una muy gran película) ya sorprendió contando una peripecia., a priori corta, de forma que nos mantuviese la atención durante todo el metraje , “Sully” jugaba con saltos en el tiempo y con recreaciones varias de aquel amerizaje en el Hudson del avión cuyo diestro piloto propició salvar las vidas de todo el pasaje y la tripulación. Si allí ya consiguió el milagro, no dudo de que otra vez sea capaz de mantener nuestra atención, de emocionarnos y de sentar cátedra sobre cómo gestionar con eficacia un instante en el tiempo.

Y finalmente tenemos una de las olvidadas de los Oscar, tan sólo Willem Dafoe ha sido reconocido con una nominación de toda esta película que según los que saben será la gran pequeña maravilla del año. THE FLORIDA PROYECT nos cuenta la cara B de América a través de los ojos de una pandilla de niños (la protagonista se supone que tiene 6 años) cuyo máxima ilusión es ir a Disneylandia, el famoso Parque de atracciones que está apenas a unos minutos del motel donde viven. El verano y sus juegos nos desvelan tantas o más maravillas que las cercanas y espectaculares diversiones. Pero también que algunas cosas son sólo sencillas para un determinado grupo de gente y que lo de oportunidades para todos es un slogan tristemente demasiado anticuado. Sean Baker el director del film no ha seguido los consejos de Hitch y ha focalizado su mirada en ese grupo de niños que según todos aquellos que ya han podido ver la película son brutalmente enternecedores. Tantos parabienes ha recibido el film que no me cabe duda de que debe ser nuestra APUESTA DE LA SEMANA.

Pues cinco eran las películas que se estrenaban este fin de semana y cumplida está la sección, sólo queda cantar. Y podríamos recordar que hoy se cumplen la friolera de 54 años desde que un grupito británico actuó en el americano programa “El show de Ed Sullivan”, podría haber sido una actuación más, pero en realidad fue histórica, aquella vez fue la primera en que los Beatles actuaron en la tele USA y eso supuso que apenas 73 millones de personas disfrutaran de aquello.

I WANNA HOLD YOUR HAND (The Beatles)

oh yeah, ill tell you something
i think youll understand
when ill say that something
i want to hold your hand
i want to hold your hand
i want to hold your hand

oh please, say to me
youll let me be your man
and please, say to me
youll let me hold your hand
now let me hold your hand
i wanna hold your hand

and when i touch you i feel happy inside
its such a feeling that my love
i cant hide, i cant hide, i cant hide

yeah, youve got that something
i think youll understand
when ill say that something
i want to hold your hand
i want to hold your hand
i want to hold your hand

and when i touch you i feel happy inside
its such a feeling that my love
i cant hide, i cant hide, i cant hide

yeh, youve got that something
i think youll understand
when ill feel that something
i want to hold your hand
i want to hold your hand
i want to hold your hand

QUIERO COGER TU MANO

 oh sí, voy a decirte algo
creo que lo entenderás
cuando te lo diga
quiero tomar tu mano
quiero tomar tu mano
quiero tomar tu mano

oh por favor, dime
que me dejarás ser tu hombre
y por favor, dime
que me dejarás tomar tu mano
déjame tomar tu mano
quiero tomar tu mano

cuando te toco, me siento tan feliz por dentro
es una sensación tal que no puedo ocultar mi amor
no pueda ocultarlo, no puedo ocultarlo

sí, tú tienes eso
creo que lo entenderás
cuando te lo diga
quiero tomar tu mano
quiero tomar tu mano
quiero tomar tu mano

cuando te toco, me siento tan feliz por dentro
es una sensación tal que no puedo ocultar mi amor
no puedo ocultarlo, no puedo ocultarlo

sí, tú tienes eso
creo que lo entenderás
cuando siento eso
quiero tomar tu mano
quiero tomar tu mano
quiero tomar tu mano


Y para adorner el gus, quizá no esté de más que sea Dafoe el que protagonice nuestro MOSAICO DE HOY, con esta será su tercera nominación (antes fue por “Platoon” y la bastante mediocre, para mi gusto,  “La sombra del vampiro”), pero lo cierto es que pese a su peculiar físico es un actor mucho más que solvente, capaz de realizar memorables actuaciones, casi como Dios.