GUS MORNINS 20/11/18

“Cuando era niño, conocí a hombres que aceptaban esa clase de trabajo…y ninguno volvía. Y los pocos que sí volvían, lo hacían rotos. Su cabello se volvía blanco y sus manos parecían papeles de lija. No sabéis lo que es el miedo. Pero ya lo conoceréis. Te agarra. Te agarra como si fueras un bote de cristal. Y una vez que lo hace, ya es para toda la vida. Hasta pronto, chicos, y buena suerte”                                         El salario del miedo, de Henri Georges Clouzot

Es tiempo de homenajear a este cineasta, Henri Georges Clouzot, porque hoy hubiera cumplido 111 años. Y además es un director maldito porque en su tierra, Francia, ha sido sistemáticamente ninguneado porque fue uno de los pocos que declaró abiertamente que había sido colaboracionista bajo la ocupación nazi. Esa consideración la arrastró durante toda su vida y fue menospreciado por todos los jóvenes turcos de la nouvelle vague aunque hizo películas de un inmenso valor, que iban más allá de toda tendencia política. Fue un realizador a tener siempre muy en cuenta, conocido como “El Hitchcock francés”.

Henri Georges Clouzot fue un estudiante brillante que se licenció en periodismo en París. Nada más terminar sus estudios, encontró trabajo en Berlín como supervisor de doblajes. Allí hizo buenas amistades y vivió la ascensión al poder del nazismo. Probablemente, aunque esto no está comprobado, esas amistades fueron las que le convencieron de que Hitler era la mejor solución para Europa. En 1934 ya estaba dirigiendo en París un par de melodramas que no tenían la menor importancia, pero que le sirvieron para aprender el oficio de director y también el de guionista, sin demasiado éxito. Llegó la guerra y, en 1942, ya bajo la ocupación, el Ministerio de Propaganda alemán bajo el mando de Josef Goebbels creó la productora Continental Films, ideada para sustituir toda la producción americana que, por aquel entonces, inundaba los cines franceses. Clouzot se subió al carro proclamando su lealtad al régimen nazi y consiguió dirigir una película que llamó la atención de la crítica y del público. Se trata de El asesino vive en el 21, un policiaco con abundantes toques de comedia que descubrió a un director que no dudaba en ridiculizar algunos estereotipos franceses, con un policía imaginativo que se infiltra en una pensión disfrazado de sacerdote ya que se sabe que un asesino en serie vive allí, pero no se tiene idea de cuál de los huéspedes es el sujeto. Exenta de mensaje político, la película es divertida, con un misterio atrayente, con personajes muy caracterizados y al borde del ridículo y con una osadía sexual bastante descarada para la época.

Aupado por las buenas sensaciones, Clouzot dirige El cuervo, una extraordinaria película de misterio en la que se retrata la miseria moral de los personajes que habitan una pequeña villa francesa. La película trata de un misterioso informante anónimo que se dedica a hacer públicos los secretos más reprochables de cada uno de los habitantes. El médico, la dueña de la taberna, el maestro…los poderes fácticos del pueblo son delincuentes que han callado su delito y que tratan de llevar una vida basada exclusivamente en las apariencias. Con este entramado, la película fue acusada de colaboracionista, algo que Clouzot siempre negó porque, para él, el cine era una cosa y la política, otra. Siempre proclamó a los cuatro vientos que sus películas no llevaban ningún mensaje de tipo político dentro, eran simplemente historias morales en las que el espectador se podía posicionar de un lado o de otro, pero nada más. Cineastas como Steven Spielberg y William Friedkin han declarado que Clouzot es una de sus influencias más preclaras y que, desde luego, piensan que es exagerado tachar su obra de colaboracionista o afín a los nazis cuando no contienen más que dilemas de tipo moral.

Como resultado de la polémica, las autoridades decidieron marginar a Clouzot de la producción francesa de la época y le costó volver a ser admitido. Después de cinco años de ostracismo, Clouzot volvió con una maravilla titulada En legítima defensa (Quai des Orfevres), una película de cine negro que descubre a un fantástico inspector de policía, algo desastrado, pero honesto hasta la médula, que trata de desentrañar un crimen en el que está implicada una cabaretera de buen corazón. Sorprende que Clouzot, con esas ideas cercanas al fascismo, incluyera el hecho de que el policía es mostrado como el padre de un hijo negro, ya que, antes de ser policía, había servido en el ejército en Argelia y, por supuesto, es un padre cariñoso, totalmente integrador, positivo y, también, bastante pobre económicamente. En cualquier caso, la película es estupenda, con secuencias excepcionales como los interrogatorios a dos sospechosos, en dos oficinas diferentes, con el policía yendo de una a otra con auténtica profesionalidad para encontrar los puntos flacos en las respectivas declaraciones.

La película fue galardonada con el premio al mejor director del Festival de Venecia. Envalentonado con el éxito, Clouzot decide ajustar cuentas repartiendo cartas por igual a colaboracionistas y resistentes. Rueda Manon, adaptación de la famosa novela Manon Lescaut, del Abad Prevost y que ha dado lugar a muchas adaptaciones cinematográficas y hasta operísticas. El argumento, en esta ocasión, gira en torno a un activista de la resistencia que salva a una chica de ser linchada en un pueblo porque se ha descubierto que es colaboracionista. Lo que, en principio, es un acto de salvación, Clouzot lo convierte en un acto de perdición porque el activista se la lleva a París y allí la induce a la prostitución. Quizá Clouzot decía a la cara a muchos franceses que no todos habían sido miembros de la resistencia y que había más colaboracionistas de lo que ellos mismos creían (recientemente, se han publicado estudios demostrando que, efectivamente, es así. Entre otros, el mismo presidente Mitterrand).

Como la película levanta ampollas, Clouzot vuelve a estar al margen. Apenas rueda un melodrama de encargo que ni siquiera se estrena fuera de Francia. Pero tres años después consigue la que, probablemente, sea su obra maestra. Se casa con la actriz Vera Clouzot y la incluye en el reparto de El salario del miedo. Si hay algún manual sobre el suspense, es esta película. En un país, aparentemente, sudamericano, se acumulan los exiliados en un pueblo miserable que no tiene ni las calles asfaltadas. Allí coinciden dos franceses, uno de ellos un vividor, posiblemente un proxeneta huido, y otro un miembro de la Mafia marsellesa; un alemán, tal vez un nazi en fuga; un italiano, simplemente un tipo que intenta buscarse la vida. Todos ellos revolotean alrededor del único entretenimiento de la ciudad que no es más que una taberna de aguardiente barato en la que trabaja una chica ingenua que mendiga algo de amor. A varios cientos de kilómetros, una compañía americana trabaja en unos pozos de petróleo y se declara un incendio en uno de ellos. El incendio es de tal magnitud que necesitan de una fuerte explosión para acabar con él. La única solución es la nitroglicerina. Se habilitan unos camiones con las medidas de seguridad más arcaicas posibles. Y, tras un proceso de selección, se selecciona a estos cuatro hombres para llevar dos camiones. Por el camino, se encontrarán con todo tipo de dificultades. Carreteras en muy mal estado, piedras debidas a desprendimientos, obras que obligan a maniobras imposibles…El suspense en cada curva está asegurado y Clouzot consigue una obra casi perfecta. Tanto es así que muchos críticos han llegado a decir que, de tanto suspense, casi estás deseando que alguno de los camiones explote de una vez. Una auténtica maravilla. En el reparto, Yves Montand, Folco Lulli, Peter Van Eyck y Charles Vanel. Un lujo.

La película asombra en Europa. Y es la única película que consigue tanto la Palma de Oro en el Festival de Cannes como el Oso de Oro en el Festival de Berlín. También consiguió el BAFTA a la mejor película extranjera y el reconocimiento unánime de la crítica internacional…excepto los chicos de la nouvelle vague, que no aceptaban un cine tan “preparado” como el de Clouzot. Ni siquiera la adoración que un joven François Truffaut sentía por Hitchcock mitigaba esa opinión.

Con el éxito a sus espaldas, Clouzot arrebata los derechos al mismísimo Hitchcock para rodar Las diabólicas, de Boileau y Narcejac, autores de Vértigo y que encantaban al maestro del suspense. El caso es que Clouzot consigue una obra absorbente, sórdida, llena de guiños al terror, con unas interpretaciones fantásticas de Simone Signoret, Charles Vanel y Paul Meurisse y, en un tono menor, Vera Clouzot. La película gana el Premio Louis Delluc a la mejor película francesa de aquel año y el Premio del Círculo de la Crítica de Nueva York (precursores del Globo de Oro) a la mejor película extranjera. Con calidad, Clouzot empezó a cerrar bocas que le juzgaban solo por sus opiniones políticas.

Giró espectacularmente su carrera hacia el documental con uno de los mejores que se han rodado nunca: El misterio Picasso, aproximación a la creación por parte de Pablo Ruiz Picasso en el que, además, se puede ver cómo pinta sus obras. Una de ellas, fantástica, sobre un cristal transparente para poder ser recogido con la cámara. Una auténtica maravilla de documental y el mejor que se ha rodado nunca sobre el gran genio.

Da el salto a la coproducción con una película que, aunque de menor calidad que sus tres anteriores trabajos, es muy aceptable: Los espías, con un reparto internacional que incluía a Peter Ustinov, Curd Jurgens, O.E. Hasse (el malo de Yo confieso, de Hitchcock), Sam Jaffe y Vera Clouzot. La trama giraba alrededor de un psiquiatra que se pone de acuerdo con un espía profesional para secuestrar a uno de sus pacientes en la carísima clínica que regenta a cambio de un rescate. El paciente resulta ser un científico nuclear y, como consecuencia del secuestro, los espías comienzan a proliferar para, a su vez, llevárselo a su bloque. Una película notable.

Otra película a tener en cuenta es la que rodó en 1960 con Brigitte Bardot como estrella y con el título de La verdad. Aquí Clouzot da un nuevo giro de tuerca a las películas de misterio y no le importa el quién, algo que ya se sabe desde el principio de la película, sino el por qué. El asesinato de un artista a manos de una chica espectacular se convierte en un puzzle que tratan de componer la policía y los abogados, con una resolución que, desde luego, es una sorpresa. Pasa por ser una de las mejores películas de Brigitte Bardot.

La salud de Henri Georges Clouzot siempre fue bastante precaria. Sufría de tuberculosis desde pequeño y, regularmente, tenía nuevos brotes de la enfermedad. Después de su experiencia con la Bardot, estuvo cuatro años sin volver a trabajar, acuciado por la tisis. Cuando creyó estar recuperado, contrató a Romy Schneider y a Serge Reggiani para hacer todo un tratado sobre los celos en la pareja titulado El infierno, pero nunca la terminó. Reggiani tuvo un ataque al corazón y fue reemplazado por Jean Louis Trintignant, pero a los cinco días de incorporarse, el propio Clouzot tuvo su ataque al corazón, probablemente motivado por la excesiva medicación que tenía que tomar y por las dificultades por llevar adelante el rodaje. La película nunca se concluyó aunque Claude Chabrol se atrevió a hacer en 1994, treinta años después, con el mismo título y con Emmanuelle Beart y François Cluzet y tratando de respetar al máximo las indicaciones que había dejado escritas Clouzot en su guión.

A partir de aquí, Clouzot sólo dirigió tres documentales para televisión referidos a la música clásica. En concreto a las figuras de Verdi, Mozart y Dvorak. Y también un último largometraje: La prisionera. No deja de tener mucho interés esta película a pesar de que se nota que Clouzot ya está en declive. Se trata de un pintor, artista de éxito, que se codea con la élite intelectual. Otra artista comienza a notar algo raro en la actitud del pintor. Nota algo así como la tentación de la oscuridad en su comportamiento. La película gira en torno a la investigación sobre su personalidad y ante la duda de si ella está enamorada de él o, simplemente, fascinada por el mal que parece habitar en su interior. Es otra película y otro tipo de misterio. No tuvo éxito de público, pero sí de crítica, que la valora como una obra meritoria y llena de sutilidad.

Alfred Hitchcock tuvo siempre un gran respeto por Henri Georges Clouzot. Cuando vio su versión de Las diabólicas confesó que él la hubiera dirigido de otra manera, pero que, sin duda, la versión de Clouzot era para tenerse muy en cuenta.

Podría encuadrarse a Clouzot como un representante muy destacado del cinema de qualité francés, ese cine que se hizo entre Renoir y la nouvelle vague y en el que también aparece un nombre prestigioso como es el de Robert Bresson. No revolucionó el lenguaje cinematográfico, pero sí destacó por la descripción de un puñado de ambientes sórdidos y ambivalentes, con una perspectiva muy negativa de la sociedad que le tocó vivir. En cualquier caso, muchos historiadores sitúan el verdadero nacimiento del cine polar francés en su labor, como si fuera un antecedente muy directo del gran Jean Pierre Melville. Aún así, siguió sin ser un profeta en su tierra hasta que Chabrol lo reivindicó con la adaptación de su película inconclusa El infierno.

Como clip os dejo una muestra de lo que hizo con el fantástico documental sobre Picasso. Como anécdota os diré que las obras que pintó Picasso para la película fueron destruidas después del rodaje, quedando impresas en celuloide en lo que fue un intento de elevar al cine como arte a un valor similar al de las pinturas.

Y como mosaico, ahí os lo dejo, dando instrucciones en pleno rodaje. De izquierda a derecha, Peter Van Eyck, Henri Georges Clouzot, Folco Lulli e Yves Montand tratando de ganarse El salario del miedo.